影视创作知识
本次分享围绕影视创作展开，涵盖镜头运动、主体调度及导演工作原理等影视创作知识。
- **镜头运动**：
- **类型**：由物理位移运动（如推、拉、摇、移等）和光学运动（如变焦、快速变焦、西区苛刻变焦等）构成，可独立或组合。
- **光学运动特点**：与物理位移带来的空间透视变化不同，变焦是放大或缩小画面，会产生异样感，可用于呈现潜意识等。
- **设备辅助**：稳定器抵消物理抖动，轨道、摇臂等用于特定运动需求，借助生成式AI可实现Super Tilt Brush的复杂运动效果。
- **运动原因 - 视点**：视点决定镜头为何运动及观众的观看方式与态度，包括客观、主观、半主观和作者视点。
- **主体调度**：
- **概念**：被摄主体在摄影机中记录的运动，涉及主体内部驱动与摄影机外部动机配合。
- **剧场与影视区别**：剧场调度主要基于演员自身元素驱动，影视中演员表演动机非唯一驱动，裂变为内部驱动（演员负责肢体等）和外部动机（导演、摄影研究画面元素）。
- **平衡关系**：好的演员与导演相互配合，可由一方主导某场戏调度，实现权力平衡。非人主体无个体意志，演员是唯一具备内部驱动能力主体。
- **导演工作**：
- **工作本质**：调配各元素，引导观众接收视觉信息，控制观众注意力，给予心理体验。
- **引导方式**：通过故事、台词音效和视觉引导观众注意力。视觉引导基于空间、线条等6个基本视觉元素构建视觉结构。

【原文】

说话人 1
做半圆或全圆移动的环绕运动构成。这些镜头运动可以独立存在，也可以以不同的方式组合在一起，构成更加复杂的镜头运动调度。现在我给大家一个样片，来自马丁西克塞斯的雨果。以它作为参照，请大家生成一段由物理位移运动构成的片段。完成后欢迎大家发链接留在留言区下方，分享你的制作过程。

说话人 2
Which one I lost the train I'm sorry I'm now fully functioning as an adult Once upon a time I met a boy Open up Message message why you 接着再聊聊第三种招式类型，利用镜头特性创造出的非自然视角，光学运动。

说话人 1
最为常见的是改变镜头焦段，机器不动的变焦。大家可以看一下这个片段。摄影指导约翰阿尔科特在电影巴黎林灯中一个缓慢的变焦镜头。与物理位移中推拉镜头带来的空间透视变化不同，变焦的光学运动只是不断的放大或缩小画面。

说话人 3
I cannot promise you how long it will take You can appreciate it is not an easy matter But in a gentleman with a mistake can that 同样常见的还有基于变焦延伸出的。强调某处细节或者影像风格化的技巧，快速变焦。

说话人 1
当然我们还能加入物理位移，让镜头变为物理加光学运动的组合剂。例如推或拉镜头的过程中同步反向变焦的西区苛刻变焦。我知道在影视教学领域有很多对光学变焦概括化的说法。比如它是在呈现记录质感，或者模拟某种主观的寻找，或是呈现某种武侠或者西部片的视觉类型风格等等。这都没有错，但理解和运用它的关键概念其实在于，人的眼睛是无法模拟光学变焦的。这会让变焦过程有一种不同于物理位移的异样感。把握好这种异样感，你就可以灵活的在很多地方使用到它，例如呈现某些潜意识，模拟某种非人的视角或者超自然的存在。

说话人 1
手持，带着呼吸感，轻微晃动，这样的影像质感。如果再加上第三张里面的变焦，我们就可以看到这样的画面。

说话人 1
它们主要的功能在于通过稳定减震抵消摄影师的物理抖动和惯性。而由于它们轻灵稳定的特点，往往出现在时拍中超长镜头的拍摄，或者有着复杂环境的现场。当对画面的要求比稳定器还要精准，机械稳定的时候，我们就会选择轨道运动。当需要跨越障碍或者拍摄大尺度纵向运动的时候，我们会选择摇臂运动。当你设计了一个包含上述所有运动的镜头时，不如再来了解一下这么一个150多万的设备。

说话人 1
Super Tilt Brush。因为生成式 AI 的出现，恭喜你，现在你只要了解这个东西的运动方式，你就能在拍摄中搞定只有它才能完成的镜头。比如轨道运动、摇臂运动、升降、伸缩、旋转。到这里我们大致了解了镜头物理运动的方式，就搞定了招式的部分。不过我个人认为，接下来的内功，镜头为什么要运动才是重头戏。决定镜头为什么运动的关键点，在我看来取决于一个词，视点。视点是镜头为什么运动的理由，同时也是让镜头产生运动的冲动。

说话人 1
先说什么是视点？观众的眼睛所看到的就是视点。它决定着影片信息的传递方式，同时还决定了观众以什么身份和态度在观看你的故事。大家开始设计镜头运动之前，不妨先问自己两个问题。你希望观众在观影的过程中如何看你的故事？你自己作为这个故事的作者，态度又是什么？你一定会得到很多很多的答案。比如，你希望观众感同身受，希望观众距离人物近一点或者远一点，希望观众被吓一跳，希望观众觉得你很炫技。作为作者，你希望表达对某个群体的关注，你想赞美真爱或者勇气，你决定保持着对剧中人物的距离。或者你希望跳出来，旗帜鲜明的表达自己的态度立场，甚至你单纯的就想传递一个个体的直觉或者生物本能。都没问题，把这些答案全部记下来，从里面找出45个最能代表你愿望的答案。这就是你的视点和感受发展的基石。最常见的视点来自客观，观众作为一个客观的旁观者，旁观者整个故事的发生，就像这样。但你也可以决定是近一点还是远一点，是趴在地上还是站在高处或者深入云端。当你准备这么做的时候，只需要问自己为什么想要观众这样看。它可以基于哲学或者美学很缜密的分析，也可以仅仅是你个人的癖好。没有标准答案，但你必须寻找到一个属于自己的答案。

说话人 1
然后是主观视点，镜头代替了某个角色的眼睛，每一次镜头运动都对应角色的生理反应，呼吸、晕眩、搜查等等等等。观众则通过镜头共享角色的视野，当然他不一定非得是人类。然后是半主观视点，通常是过肩镜头或者紧贴角色侧后的跟拍，让观众感受到一种既非角色也非全知观的影子伴侣的那种状态。因此，半主观视点还常见于我们喜欢的别的地方。

说话人 1
最后是，我见的时空进行干预的必要准备。它既代表了作者本人对创作世界的看法和态度，也代表了他希望观众以何种方式接受信息的引导。我拿自己最近正在制作的短片举例，这是其中一场戏，我可以这么拍。

说话人 1
也可以这么谈。

说话人 4
Cough cough cough Said it was your favorite wedding song 300 years ago Is that right Peter 300 300 years 300 years 300 years no one has dared to marry 每个导演都会用镜头运动和视点呈现截然不同的表达方式。

说话人 1
将镜头为什么要运动这个问题思考的越清晰，你的镜头运动起来就天然的带着独属于你的冲动。如果一时半会没有反应过来，我再举一个经典例子说明作者视点到底意味着什么。戈达尔曾经说过一句在电影史上非常著名的论断，推轨镜头是一个道德问题。这句话源自他对吉洛彭特克沃的电影卡波的抨击。我们先来看看这个电影的片段。女囚犯冲向电网自杀，彭特克沃为了追求构图美感，使用了一个向前的推轨镜头，精确的在死者伸出的手和带电的铁丝网之间完成了一个优美的定格。

说话人 1
新浪潮电影人们彻底愤怒了。他们认为，在电影语言中，任何形式的摄影机介入，就代表了作者的视点与被摄主体的权力关系。如果一个导演在面对死亡、苦难、贫穷的时候，首先想到的是如何让镜头动起来更好看，如何利用镜头运动制造视觉冲击。那么他就是在利用他人的痛苦来满足自己的美学表现欲。快速推向死亡的脸只是为了剥削情绪，代表了作者廉价的同情。身为作者应该保持固定或缓慢后退，给予空间与尊严。用这种美学化的方式去修饰屠杀与苦难是极其无耻的。所以戈达尔才说，推轨镜头是一个道德问题。

说话人 1
通过这样一个例子，大家是否理解了作者视点到底是什么意思？虽然它无法被具象的分条罗列，但它在电影中无处不在。在我看来，大多数时候是基于创作直觉的，不需要套公式。即便你没有看过我的视频，只要你爱看电影，也一定有着这种直觉。忘掉那些看起来专业的名词，只需要回到一开始的那两个问题。

说话人 1
你希望观众如何观看你的故事？你自己对故事的态度又是什么？答案就在其中。好了，本期关于镜头运动的自学分享到此结束，感谢大家看到这里，希望我的视频对你会有一些帮助。下次我们就来聊镜头设计中主体调度和场景氛围。关注我，你还可以看我的其他视频，醋久了你就会发现我贼有意思。我是徐小明，我们下期见。很多时候，摄影机并非只拍摄演员，它会拍摄静物、生物、机械、建筑或者那些在现实中并不存在的幻想之物。为了更准确的表述被镜头拍摄的对象这么一个概念，我们统一称其为被摄主体。他们在摄影机中被记录的运动则被称为主体调度。大家好，我是徐长明。这期的内容不再局限于生成式 AI 的讨论范围，因为主体调度本质上是被摄主体的内部驱动和摄影机运动的外部动机相互配合下的结果。这就是 AI 的被摄主体，当下并不存在从内部驱动调度的能力。但如果要彻底聊清楚影视主体调度的概念，又不可避免涉及到内部驱动下的表演动机部分。所以，AI 主体调度是个伪命题。我琢磨了大半个月，最终决定跳出 AI 内容的框架，从泛影视主体调度概念出发，完成这期的内容。

说话人 1
本期内容不涉及具体案例分析，只讨论概念话题。我希望各位一边看视频一边思考两个问题。主体调度如何做到主体的内部驱动和摄影器的外部动机之间的平衡？内部驱动和外部动机的平衡关系被打破后，对主体调度会产生什么样的影响？接下来让我们进入今天的讨论。何为主体的内部驱动？何为摄影机的外部动机？它们之间配合工作时该如何取得平衡？这里我以剧场演员作为角色在演出空间中调度的代表，用电影表演作为被摄主体在镜头中调度的代表。先分析他们在表演工作中的不同之处。演员在剧场工作时，通常没有摄影机介入。调度主要以舞台空间作为参考，为现场观众的视线服务。他们的调度工作是演员基于自身的经验、身体、角色意志、剧本对白、人物关系、剧场美学这些元素来驱动的。这也是为什么大众会有剧场演员更纯粹的观念。因为在剧场，表演本身即是调度的主要原因。在当代剧场技术快速发展之前，比如19世纪，透视法不仅还作为主流的年代，演员表演动机甚至是唯一驱动调度的主题。当然，始终关注作者表达的朋友会提出质疑。当代剧场早就开始去文本中心化、去演员中心化，定制创作材料，表演动机开始跟着成就老套挂钩。但在我看来，表达形式是不分贵贱，成就或老套只与创作能力有关。

说话人 1
本质上，剧场中的表演依然是调度的主要构成。而在影视拍摄中，演员表演动机并非驱动调度的唯一主体。根据空间关系、运动轨迹和视点变化进行的事情叙事和演员的表演权重定制。在某些电影里，表演被突出，在某些电影里，它又被弱化。同时，主体调度工作裂变成了两个构成部分，由演员自己完成的内部驱动和由水机完成的外部动机。这是一种演员自己完成的内部驱动。演员的内部驱动负责人物之间的位移、动作、姿态以及人物之间的互动。他研究的是表演的动线，关注的是角色如何通过肢体语言外化其心理动机。当演员把摄影现场完全当做剧场空间来调度时，摄影机只剩下了记录的功能。而当演员把摄影机当做一个限制自己行为的边框时，表演就只剩下了束手束脚的僵化。而由摄影机完成的万动机则是将包括演员在内的所有背射主体视为画面中的视觉元素。导演和摄影师负责研究他们在摄影机运动中的位置、透视以及光学变化，同时也通过空间维度几何权利去强化自己的表达意图。

说话人 1
绝大多数演员都不甘于仅仅作为一个视觉元素存在，导演则努力的维系视觉元素之间的平衡。演员与导演之间工作的微妙拉扯往往也从这个时候开始。当戏剧驱动标准时，摄影师变成辅助。当以形式驱动标准时，演员则变成视觉元素构成。不过现实情况中，这种权力关系是不断变化的。把整部电影的所有调动机构理解成交响乐队的乐章，把内驱动和外部动机的拉扯理解成编制。就能洞察两者之间的关系。因此，只有被摄主体与摄影机共同配合完成调度工作的著名曲式，才能称之为影视主体的调度。

说话人 1
交响。注意，这是一个讨论话题。戏剧启蒙常看的包括2000 Life、Staging Russia这些剧场影像中。摄影机忠实记录了剧场空间的舞台调度。那么其表演动机到底属于剧场还是影视呢？大家可以把答案打在公屏上。在我看来，无论从观看方式还是调度的目的，剧场影像实际上已经成为了纯粹的影视类。观众被剪辑、特写镜头左右了视线的自由，剧场的意义也就被拍摄行为消解掉。这也是为什么剧场导演并不热影像记录的原因。对于剧场艺术而言，记录一场戏剧唯一可见的好处在于个体剧目本身因为影像的传播性而获得了曝光。

说话人 1
回到正题，影视项目中主体调度的内部驱动和外部动机之间又是如何平衡的呢？我们继续以演员作为被摄主体来举例。好的影视演员是能够配合摄影机一起工作的。同时演员也是现场除了导演之外唯一具备发起合作权利的人。在现场，优秀的演员可以用内部驱动去主导某一场戏的调度，摄影机则辅助导演完成宏观的调整。当然，导演也可以通过摄影机运动的外部动机去主导某一场戏的调度，让演员配合完成。理想情况下，演员与导演的合作关系就该是这样的，互相启发、互相信任，完成主体调度的权力平衡。

说话人 1
说到这里，我得强调一下，即便在摄影运动中，演员的工作被定制为一种视觉元素，演员依然是唯一具备内部驱动能力的主体。有同学用寄生虫里面的别墅，F1里面的赛车，闪灵的酒店或者指环王的那个至尊魔戒来证明。非人主体存在内部驱动的生命感。但这些如同角色般精彩的被摄主体，实际上是创作部门赋予非人主体的幻觉。他们作为被摄主体始终没有个体意志与主动性。虽然不时有观众调侃，跟某某演员比起来，那条狗才是真正的表演出色。但正常情况下，好演员都在自己的身体作为创作媒介，完成艺术创作的工作。我知道这个主要原因在于，即便该影视制作流程正在逐渐取代那些对表演能力要求不高的表演工作。但表演研究永远是一门，无远弗届的专门科学。身边有很多以此为志向的朋友，我坚信他们的工作，AI无法代替。下期我们会具体讨论内部驱动和外部动机的平衡问题。对主体调动会产生什么样的影响。感谢各位能看到这里，我是徐强明，一个还没有决定把天赋带到具体分区的新人 UP 主。

说话人 1
接下来是福利时间。我自己非常欣赏的国内剧场导演胡某，将携带他的新戏四川好人，在中演成都大剧院首演。大家都知道白希特的原作中有三个来四川寻找好人的神仙。所以在这里我准备邀请3位人在成都或计划来成都旅游的朋友，在5月跟我一起去体验四川好人的排练和首演。并参与我关于该戏纪录片的拍摄。参加方式也很简单，确定自己5月16日或者是5月23日有空，而且人在成都接受出镜，留言表达自己想去的意愿就行。同时我们也欢迎大家去我们卖手所试穿好人的票物链接，来剧场亲自感受一下作者的魅力。我们今天就到这里。住久了你就会发现我贼有意思，我们下期见。

说话人 5
当提起导演工作，大家最先想到的是什么？是在现场拿着大喇叭大喊，一边指挥演员，一边协调摄影、灯光、美术，开始熬夜画分镜，连轴转的看景。跟各个部门开无数次会议，开完后还要盯着剪辑、盯调色、盯声音，甚至为了拉投资还得学会在酒桌上把话说漂亮。哄一圈大佬开心。

说话人 5
到了今天，AIGC 的时代又来了，导演不仅得有影像审美，还得会各种 AI 工具，会工作流。乍一看，导演这个职业好像特别累，特别很多传统意义上的艺术家不大一样，光有审美只是入门。你还得懂技术、懂管理、懂沟通，甚至要懂市场，要懂一堆跟艺术本身没有什么关系的琐事。

说话人 5
但也正是因为这些事情太显眼，很多人慢慢忽略了一个最根本的问题，导演到底在搞什么？大家好，这里是哈布影视，我是主理人飞姆。从这期视频开始，我们会开启一个新的系列，这个系列不聊影视八卦，也不做那些单纯的剧情解读。而是会从更专业的角度去聊电影、导演和编剧创作本身。大家也不用担心，这并不意味着频道风格会跟以前完全不一样，波兰蝙蝠侠解读系列也在路上了。请大家耐心等待。

说话人 5
这一期我们将从导演创作中的最核心一环视觉元素作为切入口，正式开启导演课系列。无论你是坚持实拍的传统导演，还是新时代的 AIGC 导演，我都希望这个系列能够帮助你重新理解导演这件事的最底层逻辑。由大家的一键三连赞助播出。在了解导演究竟是在找什么之前，我们先把自己放在观众的角度。我们观看一部电影，本质上是通过画面来接受三大信息情绪氛围、叙事感受、统一思想。情绪氛围是观众在观看电影时感受到的整体基调，它可以是压抑阴森，也可以是轻松愉快，还可以是激烈亢奋。甚至是颓废糜烂。叙事感受是观众对于画面中的某个定格瞬间下的角色表演、场景形式的即时的心理反应，像是惊悚、开心、悲伤、愤怒等等。统一思想则由情绪氛围和叙事感受共同构建，是电影通过画面想让观众理解到的更深层次的含义。

说话人 5
在斯巴达300勇士中，杰拉德巴特勒通过怒吼式的表演让观众瞬间感受到列奥尼达的坚韧、一丝不苟的精神。而极端的高对比、古铜色、低饱和的画面则让观众沉浸在神圣又悲壮的氛围中。列奥尼达的怒吼与悲壮氛围的指向影片自由英雄主义的核心主题。鬼灭之刃里灶门炭治郎同样是入口，试听上利用火之神神乐的特效来搭配柔和的炭治郎之歌。塑造人物氛围。感受到亲情的力量。所以一个有水平的导演一定会利用画面构建情绪氛围，顺势感受与主题思想的三位一体。

说话人 5
想到这里，全文的答案逐渐浮现出来了。导演花那么大力气去跟各部门沟通，费尽心思的把表演、摄影、服化等元素调配到最佳组合状态的底层逻辑。最终都指向同一件事，引导观众接收视觉信息，通过电影画面的各个元素的编排来引导观众的视线该往哪走。进而控制观众什么时候紧张，什么时候放松。再往深的挖，导演真正导的是观众的注意力，潜移默化地引导观众想看什么、忽略什么，最终给予观众一份心理体验。

说话人 5
很多新手导演最容易犯的错误是，他们往往会将情绪表达放在第一位，忽略注意力引导。而注意力是手段，情绪是目的，缺乏有效的手段，那最终的目的，也就是情绪效果会大打折扣。引导观众注意力的具体方方式有三种，一种是通过故事本身，比如人物塑造、情节发展、剪辑节奏进行叙事引导。第二是通过台词、音乐、音效等进行精准引导。第三种视觉引导。在考清什么是视觉引导之前，我们先来认识一下6个基本视觉元素，空间、线条、明暗、色彩、运动和节奏。我们可以把它理解成电影视觉原理的字母，所有镜头调度、构图、氛围、情绪，甚至观众的心理反应。本质上都是由这些字母组合出来的。他们共同构建了一种电影最基本的视觉结构。首先是空间，具体来讲空间分为三个层面，现实空间、摄影空间和屏幕空间。现实空间是摄影机放置的真实存在的物理环境，比如一条街道、一间卧室、一座工厂。

说话人 6
And much much more, was attention inward. Performance becomes character, space becomes a setting. cuts become meaningful. Today, we're breaking down why static shots are so powerful, and how filmmakers use stillness to create tension, emotion, and momentum without ever moving the camera. This is the ultimate guide to static shots.

说话人 1
Action.

说话人 7
Hello, college.

说话人 6
A static shot is a shot in which the camera remains locked off with no intentional movement. Hello. No pans, no tilts. No zooms or dolly moves. The camera is placed, the frame is established. and it remains fixed for the duration of the shot. Movement can still exist within the frame. Actors move. Lighting can change, and the story can unfold. The defining characteristic is that the camera itself does not move. Different camera lenses can help keep these motionless shots visually interesting. Aesthetic shots is not defined by length. It could be brief or extended.

说话人 3
Make sure the prince don't leave this room until I come and get it Not to leave the room even if you come and get it I want you to stay 感是一个由画面和音乐营造出的氛围感。

说话人 8
例如在布达佩斯大饭店这部影片中，布斯塔夫越狱时的场景就在滑稽的画面和音乐下，给我们带来了欢乐的场面。有很多电影不依靠声音，也同样营造出了氛围感。就在修女艾达这部片中，姨妈在面对杀父仇人时，那极为安静的场景反而更强化了那份沉重的氛围感。

说话人 8
照相机到摄影机的发展就是一次从静态画面发展为动态画面的过程。只不过动态画面的核心依旧是静态画面。像黑泽明晚期电影后，就基本上都是静态画面。通过这4段内容我们可以发现，决定电影感的核心是画面，而音乐和运镜这些内容都在画面基础上更加强电影感。因此这期视频关于声音和运镜的部分我们不谈。我们重点来聊一聊一张画面需要具备什么样的特点才可以拥有电影感。

说话人 8
要想明白什么是电影感，我们需要了解一下图像的发展史。在几万年的西方艺术史中，图像一直都是最主要图像可以长期作为创造的主要形式，是因为图像可以起到更好的传播作用。你只要认真读过艺术史时，你会发现几乎所有艺术作品都是为了传播。原始社会在岩壁上绘制他们狩猎的场景，是想在他们狩猎成果面前施展巫术，以便能够持续地获得这样的结果。古代社会也依旧围绕着这个路子，只不过来自东方的王国，都不再追求生存和繁衍，而化为了而带出了人类的咱们好多。

说话人 9
你有一句话的故事简介就特别上头，决定我必须去看的电影。给大家举几个例子啊，未来的美国规定每年有一个月为法定犯罪日，在这期间内杀人放火均不会受到法律制裁。再来一部，不久的将来，为了解决人口过低的问题，单身人士必须在45天之内找到恋爱对象。否则就会被变成野兽并被放逐森林。再一步，一场气候灾难后，这个世界上就